HONDURAS

VIRGIO GUARDIOLA BIOGRAFIA

Nació en Tegucigalpa, el 7 de septiembre de 1947. Hizo la educación primaria en la Escuela República Oriental del Uruguay. Durante ese período realizó las actividades que son comunes entre los niños: dibujar, pintar, etc.

En España Virgilio se sintió dominado por la pintura de Goya, pero no la de expresión barroca, sino la llamada "pintura negra", es decir, los monstruos que el gran artista ibérico pintaba en la soledad de su casa para darle una salida libre fuera de los compromisos de la Corte-a los impulsos creadores de su espíritu. Dominado por ese ejemplo, Guardiola comenzó a pintar en la misma dirección, pero no con fines puramente de desahogo interior, sino más bien con un filo crítico hacia los "diablos" de la miseria, el subdesarrollo y la opresión del pueblo.

También tuvo una etapa cubista, manifestada en el trabajo que realizó inmediatamente después de su regreso a Honduras. El explica que esto fue producto de la influencia recibida durante los últimos momentos de su estancia en España y como parte de su deseo de hacer un arte menos atado a los convencionalismos tradicionales. Naturalmente, Picasso, que rompió con todo un sistema de cánones, resultó ser el prototipo a seguir por parte del artista hondureño. De esa etapa quedan numerosos cuadros en colecciones privadas de Honduras y el extranjero.

Como es obvio, para ser consecuente con su línea de trabajo, Virgilio acentúa cada vez más la calidad del dibujo dentro de la obra y enriquece los colores. Pero éstos, en vez de ser adelgazados y puestos en planos nítidos, se utilizan enteros dentro de complejas estructuras. Con este estilo Guardiola ganó el Primer Premio en la Bienal de 1990, patrocinaba por la Universidad Nacional Autónoma, y la Bienal de 1993 promovida por la Municipalidad de San Pedro Sula.

Uno de los cuadros menos conocido del maestro hondureño Virgilio Guardiola, fechado en 1976, aborda lo que se convirtió en la espada de Damocles que Honduras ha tenido que sobrellevar pesadamente: el bipartidismo y por supuesto, la injerencia militar, representada en el cuadro, por el personaje central, cuya figura, se delinea de forma fantasmal.

Arriba, como una nube, lo que Chema Ramírez (dueño del cuadro) hace llamar "el monstruo" que gravita sobre la hondureñidad.

Felipe Burchard biografía

Nació en 1946. Es originario de Juticalpa, departamento de Olancho. No ha seguido estudios especiales de pintura, por lo que es un autodidacto en este campo, siéndolo a conciencia, pues desde muy joven decidió no incorporarse a ningun Academia. Como es esperable en un hombre de tales actitudes, su vocación artística se manifestó muy tempano, la que hubo de recibir el apoyo de su familia y sus maestros en la tórrida ciudad olanchana.

En 1963 viaja a Venezuela para completar sus estudios secundarios, los que había comenzado en Honduras. Al observar el movimiento artístico de aquel país y recibir nuevos estímulos por parte de sus educadores, Felipe decide consagrarse al trabajo artístico. Posteriormente, en 1968, viaja a Francia, España y Holanda. Con fines de observación, donde estudió, desde su óptica individual, el movimiento artístico europeo. En 1971 se establece en Estados Unidos para trabajar sistemáticamente en la pintura y lograr un mejor perfeccionamiento de sus medio expresivos. Allí permanece hasta 1973. Felipe Burchard trabaja preferentemente con acrílico. Aunque algunas veces utiliza el óleo, a él le parece que este material no se compagina con su personalidad artística. Usa una gama amplia de colores, pero en sus cuadros siempre predomina alguno de ellos, ya sea el azul, el rojo o el café. Su pincelada es pareja, sin vibraciones, por lo que las figuras que le resultan tienen un claro aire de solidez.

En la obra artística de Burchard se aprecia el empleo frecuente de diversos estilos, a veces incluso dentro de un mismo cuatro: el expresionismo, el impresionismo, el realismo mágico y el neofigurativismo. Sin embargo, cualesquiera que sean las líneas estilísticas adoptadas, en todos los casos la preocupación central del artista es la existencia humana y todo lo que la afecta. Por eso él no vacila en autodefinirse como un pintor social, de línea básicamente expresionista. Burchard ha efectuado exposiciones individuales en Venezuela, Panamá, El Salvador, Honduras, Guatemala, Estados Unidos, Inglaterra y Francia. Ha recibido numerosos premios, entre ellos Brasil 68; Premio Nacional del Instituto Hondureño de Cultura Interamericana; y Premio de la Bienal de San Pedro Sula, Honduras

Artes visuales de honduras

TALLER DE LA MERCED

Cada vez que se publica “algo” sobre el Taller de Pintores de “La Merced”, trato de hojearlo inmediatamente, para ver la posibilidad que haya sido incluida alguna novedad histórica, o artística, acerca de aquel grupo de jóvenes singulares que trabajaban, junto a sus caballetes, lienzos, pinceles, paletas y otros utensilios. Recuerdo haber publicado en la Revista “Caxa Real” (No. 6, del mes de abril del 2003) un ensayo de Reynaldo Díaz y Juan Manuel “Lito” García, sobre aquellos muchachos, en cuyo ambiente estaban integrados por los menos dos grupos de teatro: el “Teum” y el “Topu”. El ensayo aludido se encuentra cargado de anécdotas risueñas que colindan con lo antropológico, lo social, lo musical, lo político, lo irreverente y finalmente lo artístico.

En fecha más reciente (año 2013) he hojeado el libro “Taller de la Merced, 1974-1976”, prologado, con edición bilingüe, por el ex–embajador español en Honduras, don Luis Belzuz de los Ríos, y por don Tulio Mariano Gonzales. Los enfoques, de varios autores, están centrados en la obra pictórica de César Rendón, Aníbal Cruz, Ezequiel Padilla Ayestas, Felipe Buchard, Víctor López, Luis H. Padilla, Virgilio Guardiola, Dino Fanconi y Lutgardo Molina. Escriben sobre ellos (o quizás sobre sí mismos) Walter Suazo Aguilar, Virgilio Guardiola, Ezequiel Padilla Ayestas, Rigoberto Paredes, Alexis Ramírez, Delia María Fajardo, Ramón Caballero y Allan Núñez.

Resulta saludable una cierta precisión histórica basada en los recuerdos, las referencias, los datos documentales y las vivencias personales. El autor de estos renglones era un adolescente que visitaba, casi todas las tardes, entre 1975 y 1976, el estudio de los muchachos del ya famoso “Taller de la Merced”. Y aunque mis recuerdos son un poco borrosos, tengo claras las imágenes de Luis H. Padilla (“Padillita”); de Aníbal Cruz (“El Indio”); de Lutgardo Molina; de Virgilio Guardiola; y de Dino Fanconi. También recuerdo a Virgilio López y a un extraño personaje que llegaba de visita, casi todas las semanas, llamado Alexis Ramírez, un buen poeta conocido como “El Loco Divino”. Algunos años después se habló de que existieron dos talleres de “La Merced”, lo cual es probable, pero es un suceso que escapa a mis remembranzas directas. Tal borrosidad histórica me permitiría apostar que también observé, en algún momento, a César Rendón y a Jorge Constant.

No olvido que Virgilio Guardiola llegaba con su guitarra entonando las melodías protestatarias del momento. O con algún poema (de su propia autoría) que pegaba en alguno de los ángulos del estudio. Mientras tanto “Padillita” trabajaba intensamente, la mayoría de las veces en absoluto silencio, como preparando el sendero de una de las mejores texturas pictóricas hondureñas del siglo veinte. En ese silencio productivo le acompañaba Aníbal Cruz. Mi presencia (de dieciocho o diecinueve años de edad) resultaba inexistente; o por lo menos inocua. Eran los años transitorios en que me encontraba influido por los manualitos elementales de materialismo histórico y dialéctico, como parte adhesiva de mi “pecado original”. Sin embargo, Luis H. Padilla recuerda con alegría y puntualidad mis visitas, motivo que ha permitido el cultivo de una amistad fraterna por décadas.

Desde aquella época he tratado de comprender la pintura hondureña, sin perder de vista, en ningún momento, los referentes universales. También he intentado comprender, sin mucho éxito, los movimientos teatrales contemporáneos. Por tal motivo le he confesado a Tito Ochoa Camacho (quien comenzó a fraguarse en el “Topu”) que mi inteligencia y mis gustos personales llegan, desde la antigüedad griega, española, inglesa y alemana, hasta alcanzar la difusa línea contemporánea de Bertolt Brecht y Samuel Beckett. Nada más. Finalmente debo subrayar que he logrado cultivar la amistad de algunos de los mejores pintores hondureños de todos los tiempos, especialmente del decano de la pintura Miguel Ángel Ruiz Mattute; del ya mencionado “Padillita”; de Benigno Gómez; de César Rendón; de Armando Lara Hidalgo; y de otros que mencionaré más tarde. Espero que este humilde artículo se convierta en una especie de homenaje aproximado para aquellos pintores irreverentes que conocí en mi adolescencia, es decir, en mi primera juventud. Pero también en un homenaje para los artistas que se escapan de las triangulaciones temporales.

TALLER DANTE LAZZARONI

Biografía Dante Lazzaroni

Hijo de un inmigrante italiano, nació en San Francisco de Yojoa, Cortes, Honduras, el 7 de Julio de 1929. Entre 1945 y 1949 estudio dibujo, modelado,  cerámica y Pintura  en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Honduras. En 1949 recibe una beca por parte del gobierno para realizar estudios de pintura, escultura y grabado en la Universidad de San Carlos de México donde se gradúa en el año de 1954 obteniendo una medalla de plata como Mejor Pasante de Pintor. 

Regresa a Honduras y desde entonces se dedico a la enseñanza habiendo sido Profesor destacado de la Escuela Nacional de Bellas Artes, Director de la carrera de Pintura de la Universidad Nacional Autónoma de Honduras  y al mismo tiempo fundador de su propio taller y escuela de Pintura, habiendo promovido la creación del Taller Dante Lazzaroni que fue considerado como un momento decisivo  en la actividad creativa del entorno y de encuentro fraterno entre dos épocas , de convergencia entre la experiencia y la exploración artística.

Su obra ha figurado en los países de Centroamérica,  México, Estados Unidos y Sudamérica, en la exposición Arte de América y España en Madrid, en la Fundación FriedrichNaumann en Alemania, Italia, Francia y otros países de Europa. A lo largo de su carrera artística recibió muchos honores y reconocimientos internacionales así como el Premio Nacional de Arte Pablo Zelaya Sierra en 1984, el mas alto galardón que otorga el gobierno de Honduras a los artistas mas distinguidos que por su trayectoria , aporte a la cultura y herencia a futuras generaciones es considerado como uno de las mas claros exponentes de la plástica hondureña.

PRIMITIVISMO

JOSÉ ANTONIO VELÁSQUEZ

Todo comienza con una publicación en un diario nacional, un día como hoy, pero de 1983. El escritor y periodista Filadelfo Suazo plasma bajo el título “El Ángel Primitivo” un poema dedicado a José Antonio Velásquez, el pintor más importante de la historia de Honduras, el primer primitivista.

“Se fue la cal

de todas las paredes

se derrumbaron todas las iglesias

y se cerraron todas las ventanas

las tejas se quebraron

por millares”

Honduras cumplía su tercer día de duelo ante la muerte de Velásquez, el 14 de febrero de 1983. “A sus 76 años de edad falleció de ataque cardíaco, a las 5:15 de la mañana, en Tegucigalpa”.

Nació un 8 de febrero de 1906 en el departamento de Valle. En 1930 se trasladó a San Antonio de Oriente, un pequeño Pueblo de Francisco Morazán que le ofrecería en los siguientes años un universo de colores y formas para plasmarlos en una obra que recorrería gran parte del mundo. Era telegrafista y peluquero, pintor autodidacta y amante de la modestia. Junto a la corriente del Arte primitivista, o Arte naif, retrató cada árbol y arbusto que encontró en su camino, además las características casas con tejas rojas, la gran iglesia levantándose sobre el envolvente cielo, el sacerdote errante, y un pequeño perro

correteando entre los aldeanos.

El escritor Rafael Heleodoro Valle escribiría:

“Tierra verde, pinos, tierra de numerosos pinares, bajo un intenso cielo azul, en el que nació su bandera. Cielo turquí, tierra verde, toda la gama biológica y poética del pino. Y allá en el fondo de los pinares, los pueblecitos blancos que parecen alfeñique. Así están en la biografía mínima de Honduras trazada por su pintor José Antonio Velásquez”

“Las primeras exposiciones fueron presentadas con patrocinio del Consejo Metropolitano del Distrito Central y producto de las cuales se adjudicó medallas de plata y algunos diplomas. Ya en 1954 su fama traspasaba las fronteras patrias, sus obras eran vistas en Alemania, España, Italia, Estados Unidos, México, Cuba, Brasil, Venezuela, República Dominicana, El Salvador, Nicaragua, Panamá, Colombia, entre otros. En 1981 estuvo en Costa Rica por invitación del presidente José Figueres”.

La famosa actriz estadounidense Sherley Temple narró la película “El mundo de un pintor primitivo”, documental auspiciado por la OEA que recoge las andanzas y trabajo de Velásquez.

Algunas piezas del pintor pueden apreciarse en el Banco Atlántida de Tegucigalpa. Presencia Universitaria hace este homenaje póstumo a quien sin duda alguna es el pintor más prominente que ha tenido esta tierra, a 31 años de su muerte.

El Arte primitivista

El primitivismo, o Arte naif, se caracteriza por el autodidactismo y la negación del academicismo como medios para llegar a manifestaciones artísticas menos contaminadas que las convencionales. Se dice que es un arte ingenuo, inocente, porque pretende ofrecer una visión del mundo sincera y exenta de artificios. Sus principales características son los contornos definidos, la falta de perspectiva, la sensación volumétrica a través de los intensos colores, la potencia expresiva, entre muchos más que pretenden un dibujo no necesariamente correcto, más bien un reflejo de la tranquilidad y despreocupación interior.

PINTURAS DE GENERO:

La década del 50 y el decenio subsiguiente marcaron un hito en la literatura hondureña.
Pero no menos prolífica es la producción literaria de mediados del 70, escritores como Julio Escoto, Eduardo Bähr, Marco Carías Zapata, Rigoberto Paredes, Roberto Castillo y José Luis Quesada hicieron un notable aporte que abrió paso a una nueva generación de escritores que hoy bregan en el campo de las letras intentando plasmar su propio legado Eso no significa que las obras de los ya establecidos escritores como Roberto Sosa, Pompeyo del Valle, Óscar Acosta y Mimí de Lozano, entre otros, hayan perdido vigencia, todo lo contrario, su influencia marca la nueva literatura nacional; y a decir de Eduardo Bähr, esto sucede “porque las condiciones sociales son distintas”.
Y precisamente él junto a Marco Carías Zapata, Julio Escoto y José Funes nos guían en un recorrido por las obras y escritores más importantes de la década del 70 hasta nuestros días.

La generación de la guerra

En relación a la literatura hondureña del 70, Marco Carías Zapata dijo que “nos estamos refiriendo a lo que en aquel momento se llamó la literatura joven en Honduras, la ruptura con ciertas formas de expresión que venían desde las décadas anteriores, me parece a mí, que como en Honduras muchos fenómenos artísticos y literarios se dan con cierto retraso, son movimientos que están relacionados con las vanguardias del siglo XX que vienen desde la época entre guerras, años 20, y que en Honduras no se habían asentado”.
Carías explicó que esta generación inició con una literatura diferente, dejando atrás los lineamientos costumbristas porque ya no es una literatura rural.
Esta llamada “generación de la guerra” recibió ese apelativo por el conflicto que hubo entre Honduras y El Salvador, que según Funes, a pesar de haber marcado la conciencia nacional, produjo una literatura muy escasa, eso sí, de muy buena calidad.
Es ahí que tienen gran connotación obras como “El cuento de la guerra” de Eduardo Bähr, “El árbol de los pañuelos” de Julio Escoto y “La ternura que esperaba” de Marco Carías Zapata.
Bähr expresó que antes de 1969 era la poesía la que dominaba el espacio literario, pero señala que después entran con mayor fuerza la narrativa, el teatro y el ensayo.
La diferencia que marcan estos autores es cualitativa porque “escriben con una gran calidad, son maestros, entonces sus temas están tratados con un gran dominio del lenguaje, son grandes escritores”.

Carías considera que Julio Escoto “tiene una manera más arquitectural, más elaborada de preparar sus trabajos, junto con una prosa muy fina, entonces todo eso le da a lo que escribe un contexto con mucha personalidad propia, y también fácil de leer y de degustar”, el autor muestra un gran dominio del lenguaje en su obra.
Por otra parte, Eduardo Bähr tiene un componente diferente, ya que sus obras “son hasta cierto punto irreverentes, él es fresco y divertido. Eduardo siempre tuvo ese elemento sorpresa, y de que las cosas se pueden decir de una forma muy humana, pero al mismo tiempo socarronas”, dijo Marco Carías; mientras que Escoto resalta su intensa capacidad de innovación.
“Carías Zapata tiene en su obra la influencia del boom latinoamericano y establece nuevas propuestas estéticas en la escasa producción narrativa hondureña”, apuntó Funes.
Estos escritores exploran nuevos caminos en las letras nacionales y abarcan las décadas siguientes.
Una de la obras clave de Carías es el libro “Una función con móbiles y tentetiesos”, con la que rompe con todos los esquemas de la escritura y la lectura en la narrativa del país, esta ya corresponde al 80.
En esa lista se anota Rigoberto Paredes, quien consolida su estilo con el libro “En el lugar de los hechos”, y como se detalla en el libro “La palabra iluminada” de Helen Umaña, muestra un ritmo reposado y aparente facilismo, con el inteligente manipuleo de frases cotidianas y con una realidad frecuentemente sesgada por la ironía.
Estos escritores pasan al ochenta como “iconoclastas, que no le tenemos miedo a nada”, dijo Bähr.

La nueva generación

A finales del ochenta, en la década del 90 y el inicio del siglo XXI muchos escritores vienen a impregnar con su estilo la literatura hondureña.
Helen Umaña, María Eugenia Ramos, Galel Cárdenas, José Luis Oviedo, Juana Pavón, José Adán Castelar, Leticia de Oyuela y José Antonio Funes, entre muchos otros, son parte de la generación anterior al dos mil.
Y los escritores actuales como Marta Susana Prieto, Fabricio Estrada, Giovanni Rodríguez, Lety Elvir, Mayra Oyuela, Salvador Madrid, Samuel Trigueros, César Indiano, entre muchos otros, ya forman parte de una generación más globalizada, con sangre joven, con ganas de dar la batalla.
En estos años la literatura femenina comienza a cobrar fuerza y se sacude el machismo que ha imperado en nuestra sociedad.
Los escritos son modernos y contemporáneos, “de allí que en alguna forma reflejen las preocupaciones del hombre del siglo XXI, entre ellas la búsqueda de independencia política y social, la opción de libertad sexual, así como el misterio de la relación humana”, expresó Julio Escoto.
Es así que los poetas actuales buscan un rumbo profundamente personal y auténtico, a decir de Escoto, pues “el manejo técnico ya no es problema para ellos, pero sí captar sintonías con el universo, el mundo y el hombre de hoy, no solo vibrar con ellos, sino hacer vibrar a ellos”, apuntó.
A diferencia de la literatura del siglo pasado, “hoy un escritor que se llame tal debe saber manejar el instrumento de creación, que es la palabra, con dominio total, o mejor busca otro oficio ya que el lector es cada vez más observador y exigente. No se le puede engañar más”.
Los temas abordados en la literatura hondureña son la violencia, la búsqueda de la identidad personal y nacional, la relación humana “y poco a poco va entrando en la narrativa y la poesía la sexualidad y el urbanismo o cosmopolitismo confuso y a la vez creador”, enfatizó Escoto.
A juicio del escritor, en Honduras no hay censura en la literatura, salvo por el buen o mal gusto de los lectores, ya que a veces los autores de limitada calidad son alabados, pero son más bien una “especie de francotiradores de las letras, mercenarios de la palabra que lo que buscan es solamente vender libros, no aportar calidad. Y por veces, muchas, la gente reconoce un buen libro y lo adopta y consume. También está la iglesia anticuada que ante todo lo que ella no domina amaga el ceño y arruga la boca. Pero es una viejita a la que ya el tiempo perdonó”.
La literatura hondureña es basta y con un enorme y variado poder creativo que solo puede palparse sumergiéndose en ella, entendiéndola, aceptándola y amándola.
Dos entregas son muy pocas para reconocer a tantos escritores que con sus letras han logrado llegar a muchos y forman parte de un legado que perdura en sus obras.